Omar Bey

Omar Bey’s works include paintings, collages and mixed-media assemblages of found objects. He has developed an innovative command of materials that enable him to evoke surprise, humor, and contemplation in viewers.

Bey’s concepts revolve around the paradoxical excess of modern human existence. Each work explores a dissonance that is echoed in its construction with materials that contradict one another. With an interest in defying the unspoken rules of incompatibility, His work is akin to “art brut”. With a practice characterized by the juxtaposition of dense objects with the delicate, Bey’s self-proclaimed “Contrastivist” tendencies are best displayed with pieces where birds eager for flight are bound by wire and fish trapped in nets resemble distant stars, leaving the onlookers oblivious to their plight. Bey’s recent work reflects a more direct and personal engagement with the tensions of his own experiences in Tunisia, transmutable to broader contexts. When reflecting on his oeuvre, Bey investigates our collective complacency within the reality of our mundanity. For him, the dissonance of the earth’s importance and irrelevance ring key to his practice.

Omar Bey graduated from L’Institut Supérieur des Beaux-art in Tunis in 1998, and completed a residency at Cité Internationale des Arts during 2011-2012. His work has been exhibited at various international art fairs in Paris, London, Dubai and Abu Dhabi.

MOVING FIGURES

The countries bordering the Mediterranean Sea share a rich history of puppetry, dolls, and figures that capture the imagination. From the bustling markets of Marrakesh to the sunny squares of Rome, marionettes with intricate joints have been performing for centuries, carrying stories across cultures.

These weren’t just simple toys; Shadow puppets like the Karakuz figures flickered political satire, while the fantastical creatures of Sicily’s Opera dei Pupi delighted audiences of all ages. Marionettes became more than just entertainment; they were a way to share hidden messages and unspoken stories.

In the warmth of Tunisian evenings, these threads of wonder took root. A marionette, a symbol held aloft, could spark a revolution or offer a fleeting escape from the daily grind. They were our companions in dreams, partners in flights of fancy.

But in a current world choked by a heavy atmosphere, where dreams seem to struggle for breath, we must remember: without imagination, we cannot hope. These moving figures of our childhood, these relics of imagination and innocence, serve as vibrant reminders of that spark – the ability to go beyond the present moment.

This exhibition invites both artists and visitors to step back into that world. Letting these infant companions reawaken the senses, reignite the flames of creativity, and remind us of the magical power of these figures, from dolls and cartoons to marionettes and beyond.

Fakhri El Ghezal

Fakhri El Ghezal is an independent Tunisian visual artist and filmmaker, whose practice includes silver-based photography, video, painting, drawing and calligraphy, or hybridizations between them. Between 2008 and 2021, he worked as a pyrographic painter under the pseudonym « Ibrahim Màtouss« . From 2016, he practiced calligraphy and tagging under the pseudonym [Weld Hlima].

In El Ghezal’s work, « it’s always about light, manifestation by light and in light », which emerges through devices of buried memory, of traces past and revealed.

His work has been shown at numerous festivals, fairs and international exhibitions, including the Rencontres africaines de la photographie in Bamako, Documenta Fifteen in Kassel, the New Museum in New York, the MUCEM in Marseille and the Centre d’art vivant in Tunis. He has also taken part in the Carthage Film Festival in Tunisia, the Locarno Film Festival in Switzerland and the Clermont-Ferrand Short Film Festival in France.

Ink, Papers and Scraps – حبار ،أوراق و كواغط

From the first charcoal smudge upon cave walls to the intricate ink strokes gracing illuminated manuscripts, paper has been the artist’s confidante. This humble canvas, woven from pulped dreams and sunlight, cradles the whispers of inspiration, the messy outbursts of frustration, and the quiet doodles that dance in the margins of thought.

In « Papers and Scraps – حبار ،أوراق و كواغط », three artists unveil their deeply personal dialogues with paper. It is not merely a surface, but an extension of their very being. Paper is stretched, sculpted, and caressed; it bears the brunt of ink-soaked smudges and delicately traced lines. It is torn into whispers, reshaped into stories, and ultimately echoes the artist’s soul.

While other mediums may beckon, the quiet rustle of paper’s embrace never fades. For these artists, it is a homecoming, a return to the raw, elemental language of creation. Whether they dance with ink, dye and assemble its fibers, or breathe life into fragments and scraps; paper remains their muse, their mirror, their canvas of endless possibilities…

_Dhia Dhibi

Sonia Kallel

Born in 1973 in Tunis, Sonia Kallel is a visual artist and Assistant Professor at the National School of Architecture and Urbanism. After settling in France, she decided to return to Tunisia in 2005, where she divides her time between her artistic practice and teaching.

Since 2010, she has been interested in disappearing or endangered artisanal know-how. Her projects always begin with encounters and revolve around narratives, interviews, and inquiries into the consequences of heritage, and social and economic changes… Her works take various forms: installations in historically charged places, woven, deconstructed, and recomposed paths, imbued with testimonies, sounds, and videos, sometimes offering immersion in authentic or reconstructed environments.

Her works have been exhibited in France, Tunisia, and internationally.

HIRAFEN

Hirafen | Talan l’Expo 2023 at the Ateliers du Centre Technique du Tapis et du Tissage in Denden, Tunisia

Curated by : Nadia Jlassi & Ludovic Delalande

The Hirafen exhibition offers an unprecedented dialogue between contemporary art and craftsmanship. Nineteen multidisciplinary artists were invited to draw on the skills of Tunisian artisanal weaving and braiding to create specific works in the context of a research and production residency in Tunisia. Through their respective artistic practices, these artists from different origins and generations have each developed a unique approach that explores the plural dimensions of intangible heritage to discover whose non-linear history is marked by evolutions, influences and ruptures.

SHOOF

Child of the Medina of Tunis, Hosni Hertelli – his real name – deconstructs the Arabic alphabet to question the place of language in our contemporary societies.

The movement is lively, repetitive, without hesitation and perfectly rhythmic.

The brush moves almost mechanically over the glass plates which overhang an amphitheatre in the centre of which rise, mysterious and magical at the same time, the voices of the six munshid (Muslim religious singers) of the Al Nabolsy ensemble. 

Using paint, which he dilutes with varying amounts of water, the Tunisian street artist draws fragments of dripping letters.

Drips which paradoxically give the impression that they flow towards the sky. The calligraphy of this self-taught artist is unorthodox.

Marie-josé Armando

At the same time of her studies of plastic arts at  Aix-en-Provence University she does a training course at  the School of Fine Arts of the same city.
She discovers the ceramic at the School of Plastics Arts ( EMAP) of Nice, where she also practises engraving.
She takes part, during two years, to the workshop of ceramic of the International School of Art (EPIAR) in the Villa Arson in Nice.
She collaborates to the Nice’s museums since 1980 : first the Museum of the Fine arts, then from its creation, to the Museum of Modern and contemporary Art (MAMAC), and finally to the Matisse Museum as vice-curator.
In availability since 2005, she shares her time and her work between South of France and Tunisia.
She created, in association with Jean-Claude Villain, the collection  » The Clay’s book »: artists’ books realized completely in clay, with contemporary famous poets of different languages (French, Arabic, Greek, Portuguese, etc.)

Dan

PERSONA

Il y a, devant un mur revêtu de carreaux de céramique où le même motif, indifféremment, revient et se répète, l’angoisse. L’angoisse d’une perte de soi ; d’une individualité se noyant dans le même, ou disparaissant dans la conformité de la foule.
Le motif lui-même perd ses singularités parmi ses semblables. En amont de cela, le geste de l’artisan qui répétait et reproduisait ce motif finissait souvent aussi par s’aliéner et aliéner ce qui fait l’essence et l’originalité du motif premier.

Contre cette perte, l’artiste semble peindre. À rebours du geste infini de l’artisan qui s’oublie, à rebours de la genèse d’un motif de décor dont il ne reste que le nom comme souvenir du saisissement premier, le peintre avance dans ses toiles. Pour aller où ? Peut-être pour rêver en peinture ce poème premier où l’artisan a saisi le motif au vol, au vol des hirondelles qui essaimaient son ciel ? Est-ce cela peut-être que tente Emna Kahouaji ?

Auteur au masque
Tunis, octobre 2023

Extrait du texte de l’exposition par Mohamed Ali Berhouma

Emna Kahouaji

Emna is a Tunisian painter holding a Bachelor’s degree in Painting from ISBAT and a Master’s in Traditional Heritage from the Faculty of Humanities and Social Sciences. Her artistic journey revolves around exploring the ongoing processes of identity formation and negotiation. Kahouaji’s artwork delves into the dynamic nature of selfhood and human experience. Through meticulous brushstrokes and symbolism, her pieces resonate with profound post-structuralist themes, providing viewers with a captivating glimpse into the complexities of identity construction. Kahouaji’s artwork has been showcased in numerous prestigious exhibitions, earning her recognition, such as the Jury Prize at the Festival Chouftouhouna and the esteemed EPI Mentorship Prize from the Emerging African Art Galleries Association. Notable exhibitions include Persona at Aicha Gorgi Gallery, AZAL at AIRE LIBRE Gallery, and displays at the Musée National de Carthage, solidifying her place in the contemporary art scene.

Fatma Charfi Mseddi

Fatma Charfi was born in 1955 into a large family of Maghrebi nautical cartographers from Tunisia. * She was the fifth child and the only daughter of eight and grew up with her seven brothers and mother, Nabiha Ben Cheikh and father, Abdel Raouf Charfi in the city of Sfax. Her artistic career began in 1974 at Institut Supérieur des Beaux-Arts de Tunis in the capital, Tunis where she studied for her degree in Fine Art. In 1977 she went on to train as a cartoonist in Poland. In 1980 she moved to France and worked on her doctorate in “Artistic Aesthetics” at the Institut d’Estétique et de Sciences de l’Art de Paris | Sorbonne, and in 1985, she was awarded a PhD for her thesis related to the experimentation and the study of water; a year later she moved to Bern, Switzerland to attend the École Supérieure d’Art Visuel de Genève, where she enjoyed an internship.

Photos courtesy of Nabil Mseddi.

Mohamed Amine Hamouda

Mohamed Amine Hamouda joined the El Omrane Arts Pilot High School in Tunis to pursue his education, obtaining a bachelor’s degree in fine arts with a specialization in painting, followed by a master’s degree in aesthetics and techniques of arts from the Higher Institute of Arts and Crafts in Gabès (Tunisia), where he currently teaches.

The work of Mohamed Amine Hamouda explores and studies the botanical, maritime, and natural resources of Gabès to create platforms that document and interpret the threatening situation of biodiversity and the region’s ecosystem due to industrial intervention, aiming to provoke new possibilities and responses to social, environmental, and economic questions.

The exploration of the biodiversity of the southern coast, the examination of Gabès’ flora allowed Mohamed Amine Hamouda to create natural pigments, dyes, and paint colors illustrating his process of revelation, research, and development of artistic practice that studies and documents the nature and cultural heritage of the region. Using painting, collages, and installations and presenting the landscape unity in a new format, the experimenter continually explores the unique oasis ecosystem to create new mediums.

N.F.T. (nouvelles formes tangibles )

Deux mains pétrissent une simple boule de terre, l’arrondissent comme une petite planète ou comme un ventre, et par ce geste primitif, doucement un monde, à la fois intime et cosmique, se crée. Car la terre, sans doute plus que tout autre matériau, induit pour l’artiste qui la travaille, un lien entre le plus archaïque, le plus profond de soi et la vastitude du monde. Certes le feu primitif s’est éteint, mais par la cuisson il sera rappelé. Et son opposée complémentaire, l’eau, nécessaire à éprouver la souplesse et la douceur des formes, est là puisée dans le petit bassin de barbotine. L’air
du séchage, si évident qu’on l’oublic, vient compléter le carré des quatre éléments premiers énoncés par la physique antique.
Les formes proposées par Marie-José Armando, les installations par lesquelles elle les agence, participent directement de ce qu’on reconnaît aujourd’hui comme « art contemporain ». En réalité la céramique -art le plus archaïque sans doute avec la taille de la pierre- n’a pas d’âge : les styles, les appartenances supposées à des cultures et des époques, balisent de façon très relative l’axe du temps. Quand aujourd’hui Marie-José Armando fabrique des bols en raku on peut les confondre avec une pièce japonaise du XVII° siècle tout comme, lorsqu’un artiste d’art brut modèle une forme d’apparence fruste, on croit reconnaître une pièce millénaire de quelque musée archéologique.
Néanmoins la modernité « contemporaine » de Marie-José Armando est immédiatement perceptible dans l’épure abstraite de ses formes qui se développent quasi d’elles-mêmes, en beauté pure, sans fonction destinée ni sens apparent, selon un agencement qui fascine d’abord avant de questionner. En séduisant notre regard et en imprégnant notre être par la captation d’une émotion sans mots, cette esthétique certes se suffit et n’a a priori nul besoin d’autre justification que la magie intime que cette captation produit. Cependant pareilles formes n’atteignent pas cette justesse sensible par une gratuité de hasard, une improvisation pure, mais parce qu’elles sont irriguées, signifiées de l’intérieur.

Extrait de « En regardant en écrivant » de Jean-Claude Villain

About

A.Gorgi Gallery

Founded in 1988, A.Gorgi Gallery is the oldest gallery in operation in Tunisia. Over its three decades of activity, the gallery has focused on young expressions, aiming to renew the artistic landscape of the Tunisian environment. Aïcha Gorgi has been able to discover new talents, guide their first steps and follow their affirmation in unique artistic expressions. Similarly, she was able to surround this « nursery » of creativity with a network of new collectors who are open and trust the artistic orientations on which the gallery is based. Gradually, A.Gorgi Gallery became renowned for its original, unprecedented exhibitions, selected with rigor and not without eclecticism.

From another perspective, the gallery organizes off-site events in partnership with major Tunisian companies, providing artists with the technical and material means to create original works exhibited in places other than the gallery, and accompanied by the publication of substantial catalogs. It collaborates in particular with the company Talan, within the framework of the organization of large-scale exhibitions, which breathe new life into the cultural and social scene.

Additionally, to bring international visibility to Tunisian artists, the Gallery participates in many international contemporary art fairs, such as the Abu Dhabi Art Fair, Investec Cape Town Art Fair, 1:54 London, AKAA Paris, Art Brussels, and more.

A.Gorgi Gallery has played a major role in the development of contemporary art in Tunisia. It has helped to discover and promote new talent, and to bring Tunisian art to a wider audience. The gallery is a vital part of the Tunisian cultural scene.

Mira Agdal

Mira Agdal (Anna Latreille Ladoux, Anna Blaszczyk) is an artist of Polish origin. A documentary film director who was studying at the same time Egyptian and Sudanese archeology at the University of Warsaw. As a film-maker she participated in many international festivals. For the moment she lives and works in Tunisia. Her paintings are regularly exhibited at the AGorgi gallery in Sidi Bou Said and meets a unanimous success, both with the press and professionals.

Man Antom

N’ayant pas prémédité la forme de ce travail (comme d’habitude) et me retrouvant avec des choses effectivement dissemblables, je me suis demandée moi même, pourquoi cette fois « c’était sorti » de façon aussi multiple, hétéroclite, disparate…


Traitant d’une situation, où la plupart d’entre nous sont en perte de repères, dans laquelle je suis complètement immergée, j’ai trouvé (à l’arrivée) que l’inconscient avait « honnêtement » transcrit les choses.

Depuis la prénommée « révolution », il semble qu’il y ait eu un emballement de l’histoire avec multiplication d’événements dont nous n’avions pas l’habitude. Ce qui a largement altéré les modes d’être-ensemble, les rapports à l’autorité, les manières d’investir l’espace public, les modes vestimentaires, et toute la batterie de signes nouveaux qui font cortège à cette mutation que nous n’avons pas eu le temps d’assimiler, ni d’intégrer.


C’est peut-être du pain béni pour sociologues et artistes ; mais comme ils ne sont pas légion, pour les onze millions qui restent, c’est souvent vécu sur le mode du désarroi, sinon de la perplexité.

Extrait du texte d’Aïcha Filali

Hrigua

 « Il était une fois un pays nommé « Hrigua » si lointain.. lointain..

on racontait qu’il y avait un roi qu’on ne voyait point..mais l’héritier du trône était là…tralalalala..

et le cheikh si mal..si malin..

fait tourner tout ce monde en bourrique ..oh les pantins..oh les pantins! « 

Hrigua ou le pays enflammé  est une parodie de ce que nous vivons aujourd’hui, une monarchie despotique qui s’instaure peu à peu ..la lignée royale semble s’allonger..l’hériter et le fils de Cheikh sont désormais là! ils jouent avec leurs petites mains du destin..du petit patelin.. oh le dérisoire! oh le désarRoi!

les joujoux de l’héritier du trône sont là comme une allégorie des armes de répression de l’état..ces armes dorées.. luxueuses;  mais en contre partie la résistance se construit..commençant faible, amputée, peureuse et frêle..elle grandit peu à peu avec  les pierres..la voix..la voie..et  le mot!

                                                                                                                                              Apoplexie Brutale

les insignes de la citoyenneté

Jamais depuis l’Indépendance nous ne nous sommes sentis aussi Tunisiens et aussi fiers de l’être. Nous nous sommes réappropriés Notre pays, dans ses multiples dimensions spatiales, sociales, verbales…l’espoir renaît à nouveau et avec lui la conscience de nos responsabilités à venir. Du coup, les symboles de la Nation et les insignes de la Citoyenneté ne sont plus perçus de la même manière. Jamais l’Hymne National n’a été chanté avec autant d’émotion, Notre passeport a cessé de nous faire penser à une prison à ciel ouvert, la seule vue de Notre Drapeau National peut nous donner des larmes…et ce vers du célèbre poète Chebbi n’a jamais sonné aussi juste :

إذا الشعب يوما أراد الحياة
فلا بدّ أن يستجيب القدر

Ce processus de ré-appropriation de ce qu’on pourrait appeler  les Insignes de la Citoyenneté, est proposé aux artistes comme base de travail pour une prochaine exposition. Comment avec les moyens d’expression qui sont les leurs, les artistes, peuvent-ils penser/panser ces multiples supports d’une identité en gestation, et donner àvoir avec leurs outils propres, ces nouvelles marques d’appartenance.

El Hobb

Pourquoi le choix de ce titre et non l’Amour? Dans El Hobb, il y’a un côté charnel et dans notre mémoire collective cela  évoque l’amour dans les films Egyptiens, l’amour des milles et une nuit, les poètes et chanteurs…

Mohamed Ben Soltane a traité l’amour en graffiti, un clin d’œil aux adolescents qui s’expriment en gravant leurs histoires de cœur sur les murs ou les bancs de l’école…

Tahar Meguedmini parle de sensualité féminine et aussi du rapport homme/femme dans nos sociétés intérieures et extérieures.

Nicène Kossentini part des 99 noms attribués à Dieu et trouve 99 Noms sur l’amour qu’elle inverse. Son installation s’intitule réflexion : la réflexion de soi (narcisse). Multiplication de sa propre image, réflexion aussi sur l’inversion des lettres ou les choses ne sont pas dites, mais le plus souvent devinées.

Dorra Dhouib porte le regard d’une artiste photographe sur les femmes qui sont souvent en attente de quelque chose, les Femmes-Objets esseulées et fragiles.

Rym Karoui a travaillé de manière plus libre et plus éclatée, elle présente un cœur rouge entouré par ses muses.

Baker Ben Frej présente un tableau étoilé et structuré à la fois, une façon de suggérer l’éclatement de l’amour.

Pour Aicha Filali l’amour devient une relique précieuse datant des années 40, une chose précieuse qu’il faut absolument préserver. Pour sa deuxième installation, Aicha Filali : nous sommes tous et toutes de cette génération qui a lu les magasines Intimité et Nous Deux, génération «  fleur bleue  » tous nos rêves sont imprimés sur du papier toilette et ils finissent par des désillusions.